Instalación artística

Experimento 8

Las instalaciones son un tipo de arte que permite incorporar cualquier medio (materiales naturales, vídeos, sonidos...) para poder llegar a envolver al espectador en el ambiente creado por el artista. 
Las instalaciones pueden llegar a ocupar toda una sala, para que el espectador pueda interactuar con ellas. 



Ficción fracturada

María Jesús nos propuso realizar una instalación artística y este el resultado de la mía.
En un principio, la idea fue colocar en las paredes, techo y suelo, tableros de juegos de mesa. Las fichas de cada juego estarían colocadas "aleatoriamente" para el público; representando y transmitiendo la idea de que la vida es un juego y no hay que tomársela tan en serio. Hay que ser feliz y disfrutar.
Sin embargo, en una clase de análisis María Jesús nos contó una historia real bastante traumática, triste y dolorosa. A partir de esa clase y un par de noticias sobre actualidad en la televisión,me decidí a cambiar la idea principal.

Ficción Fracturada es el título que he puesto al proyecto. Con la idea surgida de la clase de análisis y de las noticias, pretendo criticar a los medios de comunicación. Pueden mostrarte violencia (asesinatos en directo, muerte, guerras...), pero no pueden mostrar una publicidad medianamente erótica.
Así que he querido transmitir la idea de que esos asesinatos que muestran, toda esa violencia, es real. No es ficción. Por eso he partido las cassettes y los he distribuido por el suelo y sus carretes también por las paredes.

Las paredes y el suelo están hechos de cartón, recubiertas las primeras con noticias de crímenes y muertes y con acrílico rojo rojo salpicado; y el suelo pintado con spray blanco y con salpicaduras de acrílico rojo.

• Foto en la que se muestra el proyecto en su totalidad

• Foto desde un lateral

• Foto desde el otro lateral

• Foto desde arriba

• Foto desde arriba más de cerca

• Foto más cercana, para ver los detalles.

• Foto de una de las paredes , para poder mostrar las noticias y los titulares

• Foto de la otra pared. 

Esta instalación debería ocupar toda una sala, para que el espectador interactúe con ella directamente. Además, se debería colocar una luz desde una de las esquinas de la habitación, tal y como muestro en las fotografías.

El Color

Azul Añil


  1.   Definición

violeta	400 -450 nm
azul	450-500 nm
verde	500-550 nm
amarillo	550-600 nm
anaranjado	600-650 nm
rojo	650-700 nm

El añil es una tonalidad oscura del azul con ligeros matices violáceos, ya que se encuentra entre el azul y el violeta; entre los 400 y 450 nm. 

La palabra añil procede del árabe hispánico anníl o annír, que tiene su raíz en el sánscrito, lengua clásica de la india, nīla. Su uso en el castellano se remonta al siglo XIII. 

  2.   Cómo funciona

El añil es un color frío, oscuro, intenso y profundo; como hemos visto se encuentra entre el azul y el violeta, por lo que funciona muy bien armónicamente con azules de una tonalidad más clara y lilas.
Es un color que queda muy bien para decoraciones, siempre y cuando sea en grandes superficies y combinándolo con blanco, para que de luz al espacio. 
El oro también es un color que ayuda a darle luz y claridad.    


               

El añil es un color bastante atrevido, por lo que en moda sólo hemos podido encontrarlo en algunos complementos y en vestidos de gala. 

  3.   Nomenclatura

El azul añil también puede denominarse índigo y antiguamente también se denominaba glasto; hay otras denominaciones del añil artificial, como el añil prusia llamado así debido a su procedencia; y dentro de su gama también se podrían incluir el azul marino y el cobalto. 

  4.   Artistas que lo emplean

Pablo Picasso empleó este color durante su período azul (1901-1904). Recibe este nombre debido a que durante esos tres años todos sus cuadros se basan en una gama de azules. 

Otro artistas que emplearon este color fueron Claude Monet y Henry Asencio. 

"Los Nenúfares" - Claude Monet

En este cuadro podemos ver el azul añil en lo que sería el agua. 

Pintura de Henry Asencio

En este cuadro podemos encontrar el azul añil y tonalidades de su gama. 

  5.   El color en la naturaleza

El colorante natural se extrae de varias especies de plantas, la más usada e importante sería la especie "indigofera tinctoria", por lo que en la naturaleza se presenta en este tipo de plantas; también se presenta en los hongos "lactarius indigo"; además, se presenta en ciertas aves como el "indigobird", que es un pájaro con el pecho color beige y añil y el plumaje de la cola de color añil también; y el "indigo bunting" es una pequeña ave de América del norte conocida por el plumaje del macho, que tiene colores vivos. 

Indigofera Tinctoria

Indigobird

  6.   El añil en otras culturas

El azul índigo o añil es uno de los colorantes más antiguos, utilizado por la India, China, Japón, Mesopotamia y Egipto entre otro. Lo empleaban para tintura textil e imprenta. 
Se cree que la India fue el mayor centro de tintura índigo, ya que suministró índigo a Europa durante la era Greco-Romana. La asociación del índigo con la India se ve reflejada en la palabra griefa tintura, Indikon.
Los romanos empleaban el índigo como pigmento de pintura y para uso medicinal y cosmético. 

  7.   Simbología

La simbología que presenta este color es diversa:

• Expansión de la conciencia.
• Evasión, separación, meditación. 
• Puede significar exceso de racionalismo.
• Excluyendo el resto de colores, reflejará un hipercontrol de la personalidad.
• Transmite riqueza y superioridad. 
• Tranquilidad y serenidad.
• El rechazo hacia este color muestra depresión. 

  8.   En la literatura, el cine y la música

En mi opinión el azul añil pertenecería a la literatura del romanticismo. Este color es capaz de representar: la tristeza, la melancolía, la nostalgia, lo irreal, el mar, etc. Características presentes en la literatura romántica. De hecho, el poeta romántico Víctor Hugo empleó el color azul para sus poemas, inspirando a otros autores como Rubén Darío. 

Portada de un libro actual.

Respecto a cine, Shutter Island es la película que me recuerda al azul añil, por motivos similares a los expuestos en el apartado de literatura. Shutter Island es una película con intriga, con momentos irreales e ilusorios que confunden y también es melancólica. La película transcurre en una pequeña isla, obviamente situada en medio del mar, esto provoca que sea aún más capaz de asociar la película con el azul añil. 

Fotograma de la película Shutter Island de Martin Scorsese 

Blue Velvet, que debe su nombre a la canción del mismo nombre compuesta por Tony Bennett, sería un ejemplo más visual. Esta película , que en español recibe el nombre de Terciopelo Azul, tiene muchos planos de tonalidades azules. El mismo póster de la película contiene el color añil. 

Póster de la película Blue Velvet de David Lynch.

Buscando otras pósters de películas que tuviesen el color añil encontré éste: 

Póster de la película El Caballero Oscuro. 

En el campo de la música, la canción Raein de Ólafur Arnalds, compositor islandés, es la que me lleva al mundo del color añil. Es una canción con toques melancólicos y nostálgicos. 

Portada del disco Dyad de Ólafur Arnalds. 

Hubo gente que cuando hicimos la presentación María y yo, nos pedisteis un enlace a la canción. Aquí os lo dejo, sólo tenéis que pinchar aquí en: Raein  

   9.    Gastronomía 

En la gastronomía, a parte de en las comidas con pigmentos artificiales de este color como pueden ser las golosinas o los cupcakes, unos científicos descubrieron en 2008 que cuando el plátano está en su punto de madurez, al darle la luz refleja una variedad casi negra del tono añil. 

  10.   Trabajo creativo

Nuestro trabajo creativo tiene una parte musical, tocada con piano y una pintura. En ellos hemos intentado transmitir todos los sentimientos y características de las que hemos estado hablando durante toda la presentación. 

En dicha pintura mostramos a una bailarina de ballet representando El Lago de los Cisnes. 

Estamos teniendo problemas para poder pasar la composición musical al ordenador. En cuanto podamos solucionarlo, la colgaremos. 

Galería Liebre

Exposición 

El 15 de noviembre fui a la apertura de la nueva exposición de la Galería Liebre de Madrid.Ésta presenta seis cuadros y una instalación de siete distintos artistas. Pretendiendo mostrar la variedad del arte actual.

Juan Luis Cerrajero (Madrid, 1971)

En sus obras trata de interpretar la realidad desde su punto de vista, relacionándola con otras imágenes, ideas y formas provenientes de su subconsciente.
En muchas ocasiones el proceso de creación no es del todo racional, ya que mientras pinta o dibuja van apareciendo esas formas, figuras extrañas y elementos inesperados.

Pablo Bellot (Alicante, 1976)

Utiliza el dibujo como herramienta con la que desarrollar su obra. La utilización del negro y blanco es característica fundamental en la utilización de lo mínimo para elaborar dibujos de carácter próximo al infantil y adolescente, sin prejuicios y completamente libre. 

Amanda se me coló en la primera fotografía que hice, por lo que tuve que hacer una segunda en la que se pudiese ver el cuadro. Ella sale muy graciosa. 

Santiago Lara (Tormelloso, 1975)

Apuesta por la pintura como un gran storyboard. Su trabajo parte de una irreverente libertad y una sugerente iconografía cercana a la cultura urbana, al cómic, el cine y la literatura. 

Reivindica el conocimiento y los factores de representación como las imágenes y el sonido, juntos al movimiento y a la imaginación, elementos transformadores de nuestro entorno. 

Albert Pinya (Mallorca, 1985)

"Más allá de su simpatía personal y su gracia plástica. Albert Pinya tiene algo que le distingue. No es diferente, es propio. Su desparpajo, osadía, naturalidad e inocencia, configuran una personalidad abierta, social y profunda; comunicativo, seclusi, anarco, ordenado, comprometido y divertido, diáfano. (...( se ha formado a golpes de rebeldía, a trompicones, pero ha logrado estar en la tradición y en la primera línea, en la pomada internacional". (Tomás Paredes)

Maxon Higbee (EEUU, 1978)

La pepita de oro más grande del mundo, el "Dogtown Nugget", se encontraba a sólo una milla de distancia de este artista. Esa proximidad directa a los tesoros inalcanzables del pasado inculcó en Maxon un sentido romántico de "buscar y descubrir". Sus proyectos parten de narrativas diversas, que pasan por el filtro de su propia sensibilidad. La protagonista principar suele ser la relación entre el hombre y la naturaleza, la técnica y el azar. 

Cristina Toledo (Gran Canaria, 1986)

La motivación que prevalece en su obra está anclada a su interés por la transformación de la imagen fotográfica en imagen pictórica. De esta forma se ocupa de tratar con la Historia y las historias a través de fragmentos, transformando las imágenes de todo tipo en signos poéticos a través de la pintura. Cristina Toledo trabajo por series de fotografías relacionadas temáticamente entre sí.

Jorge Vicén (Huesca, 1980)

El trabajo de Jorge Vicén entiende la creación como una forma de construirse, en cuanto la implicación es absoluta; destrucción y construcción de la identidad psíquica, entendiéndose como estructuras irremediables y voluntariamente significantes. Su obra es meticulosa, maniática, sutilmente violenta y capaz de expresar su objetualidad mediante exuberantes empastes de color dentro de un proceso que pretende acceder y desvelar lo imaginario, concibiendo su labor como la de canalizador y mediador entre lo real  y lo imaginario. 

Opinión personal. Diré que no me dejó el gustillo en la boca que hubiese querido. Quizás fui con las expectativas muy altas, esperando encontrarme con algo verdaderamente sublime o quizás fue lo corto que me pareció. De todas maneras, no me disgustó. Las obras que más llamaron mi atención fueron la de Juan Luis Cerrajero, la de Cristina Toledo y la de Pablo Bellot.

Clase de alto rendimiento

El 31 de octubre, el día que todos conocemos como la fecha en que se celebra Halloween, tuvimos un examen o como diría María Jesús: una clase de alto rendimiento.

Esta clase constó de dos horas. En la primera realizamos un ejercicio práctico que consistía en dibujar a tamaño real la parte de tu cuerpo que María Jesús te hubiese determinado. Después se debían unir todas las partes y formar un cuerpo humano. 

A mí me tocó dibujar el glúteo izquierdo. Tomé las medidas y lo dibujé con lápiz y carboncillo. No tengo foto del dibujo, pero si tengo el resultado de todos nuestras dibujos unidos: 

Nuestra Conchita

Desde luego, el resultado fue curioso, pero exitoso. 

En la segunda hora hicimos un ejercicio teórico. Debíamos aplicar los conocimientos hasta entonces dados (composición, tipo de imagen, forma, marco, textura e iconicidad) a nuestro ejercicio práctico. 

Experimento 7 - Las Texturas

Texturas

1. Las texturas nos dan datos importantes para saber qué son las cosas, para ser capaces de reconocerlas. Un objeto puede tener la misma forma que otro objeto totalmente distinto. Si viésemos el contorno de ambos objetos podríamos afirmar que es lo mismo aunque no lo fuesen y si tuviesen el mismo color, igual. Sin embargo, la textura de los distintos objetos nos podrían ayudar a diferenciarlos y saber decir qué es uno y qué es otro.

             

Existen muchos tipos de texturas: suaves, ásperas, frías, calientes, duras, blandas, metálicas.... y además, podemos diferenciar entre textura simulada y textura natural.

Ejemplos:

Textura Suave

Textura áspera

Textura fría

Textura Caliente

Textura dura

Textura blanda

Textura metálica

...

Textura natural: Aquélla en la que coincide lo que vemos con lo que tocamos. 

Podemos ver y tocar una algo rugoso, la corteza de un árbol. 

Textura simulada: Aquélla en la que no coincide lo que vemos con lo que tocamos. El artista Ron Mueck trabaja con este tipo de textura. 

Vemos piel, pero tocamos silicona, poliéster y resina (materiales que usa el artista).

    2.  Elementos importantes son también el formato, el tamaño y marco.

El formato es el soporte sobre el que está hecha la obra (materiales y forma). 

                       

       

Formato cuadrado, circular, ovalado, formato retrato...

El tamaño se refiere a las dimensiones de la obra. Además, puede provocar impactos psicológicos: si la obra es pequeña puede ser más intimista, mas acogedora; si la obra es grande puede apabullar. 

El marco es lo que separa la obra del resto de las cosas. Por ejemplo, en una escultura el marco sería todo lo que la rodea, en pintura lo que distingue la misma de la realidad.